"Золотой сон" Альма-Тадемы

   

Автопортрет

           В январе этого года исполнилось 180 лет со дня рождения одного из самых ярких представителей позднего академизма, близкого к прерафаэлитам, блестящего живописца Лоуренса Альма-Тадемы.      Уроженец Северных Нидерландов он увидел свет в крестьянской семье 8 января 1836 года. Лоуренс был младшим ребёнком. Деревня, в которой жили Питер Тадема и его жена Хинке, находилась в четырёх милях от Лиувардена. Крестным отцом мальчика стал Лоуренс Альма, чью фамилию художник сделал приставкой к отцовской. Критики, кстати, потом злословили, что он это сделал с целью выставлять свою фамилию в начале художественных каталогов, а не в конце. После рождения Лоуренса, семья переселилась в Лиуварден. Родители, благочестивые пуритане, исправно посещали церковь и держали детей в строгости. С раннего детства Лоуренс с увлечением рисовал. Примером были старшие братья, но строгий отец, готовя их для другой, более весомой, карьеры, не хотел, чтобы они брали уроки рисования. Возможно, судьба будущего блестящего живописца сложилась бы иначе, если бы в 1840 году не умер отец. Теперь семье надо было выживать, и матушка решила, что уроки рисования не помешают. Старшие дети начали заниматься у местного художника Корнелиса Вестера. Завидуя, конечно, им, четырёхлетний Лоуренс решил показать, что и он не хуже. Мальчуган нарисовал картинку, которую показал матери и потом всем подряд, кто приходил в дом. Родственники и друзья ахали и охали, удивляясь его способностям, и, наконец, матушка согласилась отдать малыша Лоуренса в ученики к художнику. Лоуренс оказался настолько прилежным учеником, что потом, занимаясь в обычной школе, мастерской художника и беря ещё уроки музыки, сильно заболел. У него обнаружили нервное и физическое истощение организма. Доктора велели уменьшить нагрузку, пугая мадам Тадема, тем, что её сын может не дожить до двадцати лет. Предложение отказаться от учебы и музыки, или от рисования, ещё больше расстроило мальчика. Отказаться от любимого искусства? Да ни за что на свете! И тогда его волевая, строгая мать, позволила сыну самому сделать выбор, чем ему заниматься. Лоуренс выбрал искусство и, к радости всей семьи, быстро поправился. Теперь было ясно, что он станет художником!

    В 1852 году Лоуренсу исполнилось шестнадцать лет. Осуществилась мечта юноши. В июле он отправился в Антверпен, чтобы поступить в Королевскую Академию искусств. Известно, что по дороге он навестил своего крестного Лоуренса Альму, который проживал в Амстердаме и получил отеческое напутствие. В Королевской Академии Антверпена его приняли в мастерскую живописи барона Врапперса. Юноша оказался в самом центре тогдашней художественной жизни и не терял даром времени. Для такого, как он, провинциала, считал молодой Альма-Тадема – большая честь заниматься искусством ни где-нибудь, а в родном городе Рубенса! Юноша легко освоился в новой для него обстановке, несмотря на пуританские провинциальные привычки. Характер он имел общительный, умел легко заводить новые знакомства. За четыре года учебы Альма-Тадема был удостоен целого ряда наград за свои работы. В творчестве молодого художника постепенно закладывались основы классического стиля, сочетавшегося с историко-бытовым содержанием. Впоследствии этот стиль определят, как «буржуазный классицизм» - прекрасное прошлое, вернувшееся, чтобы навеять золотой сон на человека, живущего в железный век индустрии.

   

Гречанка

    В конце 1855 года учеба в Академии завершилась, но молодой человек решил задержаться в Антверпене и провёл там ещё целых три года. Профессор Академии Лодовик Ян де Тай, читавший лекции по мировой истории и истории костюма, предложил Лоуренсу поселиться в его доме и работать в своей мастерской. Он же ввёл Альма-Тадему в круг лучших художников Антверпена. Молодого живописца неодолимо влекла к себе древняя история и археология, его творческая карьера сложилась ещё в Академии, и он творил, много и  вдохновенно, питаясь из избранного источника.

    Через три года Альма-Тадема оставил Антверпен, чтобы побывать дома. Он прибыл в Лиуварден в ноябре 1858 года, и, вероятно уже тогда, нашёл мать хворающей. Следующие три года прошли на родине. Но это была провинция, а молодой художник мечтал о Лондоне и Британском музее. В 1862 году мечта его осуществилась. Он посетил Лондон и навеки пропал, околдованный древнеегипетскими артефактами и античными мраморными статуями. Познакомился он и с историческими трудами и романами знаменитого египтолога Эберса. Картины, написанные им в эту пору, с большой достоверностью рисуют облик и быт древних египтян. К начинающему художнику приходит успех.

    В 1863 году, 3 января, скончалась больная Хинке Тадема, и сын, спустя время, отправился снова в Антверпен. Там он встретил чудесную девушку, дочь французского журналиста Грассена – Полину, которой предложил руку и сердце. 24 сентября они поженились и отправились в свадебное путешествие. 

Под синим ионическим небом

    Италия – стана его грёз! Путешествуя по Италии, Лоуренс и Полин жадно знакомились с осколками древней римской цивилизации. Художника интересовали мельчайшие подробности давно угасшей жизни, шедевры архитектуры и скульптуры. Супруги посетили развалины Помпей, где Лоуренс сделал множество фотографических снимков, которые потом служили материалом для его будущих картин. Альма-Тадема в течение всей творческой жизни не расставался с фотоаппаратом, и не скрывал этого, несмотря на критику со стороны, как коллег, так и ценителей живописи. После него осталось свыше 150 альбомов с фотографиями, которые хранятся в университете Бирмингема.

Древний праздник

    Путешествие по Италии – важная веха в биографии Альма-Тадемы. С этого времени античная тема заняла главное место в его творчестве. На его ярких полотнах расцветала живая жизнь  древних греков и римлян. В основном им изображалось повседневное течение времени: встречи друзей в интерьерах вилл, посещение рынков, терм и колизея, погружение в поэзию, любовное томление, соперничество.

 «Любимый поэт»

1888

 «Термы Каракаллы»

1899

 «Серебристые любимцы»

1903

 «Её взгляд устремлён вслед за её мыслями,

а они далеко»

1897

 «Удобная позиция»

1895

    Альма-Тадема не посвящал свои полотна ключевым драматическим событиям истории, хотя не избегал конкретных ярких событий. В любом случае, исторические личности у него просто живут. К примеру, возьмём такие полотна как "Солдат Марафона", «Сафо и Алкей», «Нахождение Моисея», «Фидий показывает друзьям фриз Парфенона".

Солдат Марафона

Фидий показывает друзьям фриз Парфенона

Нахождение Моисея

Сафо и АлкейНеизменная красота интерьеров и особенно героинь полотен, радовала глаз представителей среднего класса.

    Вернувшись домой, молодые супруги затем избрали местом жительства Францию и поселились в Париже. Здесь художник сразу завёл полезные знакомства. Он познакомился с известным торговцем произведениями искусства Эрнстом Гэмбартом. Эта дружба содействовала, в первую очередь, знакомству Альма-Тадемы с художественным рынком и быстро принесла ему огромную популярность. У супругов родилось двое детей, Анна и Лоуренс, но в 1869 году, в их семью неожиданно пришло горе: художник потерял любимую жену. Глубокая печаль, да к тому же политическая нестабильность во Франции, вынудили его принять решение, вероятно, по совету Эрнста Гембарта, переселиться в Англию. На берегах туманного Альбиона любители живописи проявляли чрезвычайный интерес к творчеству Альма-Тадемы. В следующем, 1870 году, он с детьми прибыл в Лондон, где открыл студию.

    У знаменитого уже мастера появились ученики, и среди них семнадцатилетняя Тереза Лаура Эппс, близкая к своему учителю академической манерой работ, несколько манерных, сентиментальных, как и сама викторианская эпоха. Тереза Лаура была дочерью преуспевающего врача и бизнесмена. В 1871 году Альма-Тадема женился на своей юной ученице.

Портрет жены

    

    Вторая жена художника отличалась красотой. Он полюбил её рисовать  для своих картин: нежное розовощекое лицо, блестящие тёмные глаза и вьющиеся рыжие волосы могли принадлежать древней римлянке. Тип её красоты  стал доминирующим в творчестве Альма-Тадемы.

Весенние цветы

     Брак также оказался счастливым, хотя и бездетным. Лаура заменила детям родную мать, окружив их вниманием и заботой. Как художница, она тоже имела успех в 1873 году на выставке в парижском салоне, затем в Лондонской Королевской Академии, галерее Гросвенор и, наконец, на Всемирной парижской выставке 1878 года. Она любила изображать детей, цветы, солнечный свет.

    Семья Альма-Тадема в Лондоне процветала, поскольку тот хорошо себе представлял, чего хочет буржуазный зритель. Он стал одним из самых богатых художников своей эпохи, его лондонский дом был превращен в роскошную виллу, с фонтанами и террасами, будто по волшебству перенесенную сюда из древних Помпей.

    Чем же в совершенстве владел знаменитый мастер? Во-первых, техникой масляной живописи, умением убедительно передать пространство, воздух, солнечный свет и тени. Он не знал себе равных, изображая фактуру ткани и мрамора, а также мелких деталей давно ушедших эпох. С точки зрения археологии, его картины безупречны. Викторианский зритель, стоя перед ними, на время забывал о своём времени, затянутом дымом промышленной революции и словно погружался в «золотой сон».

    В творчестве Альма-Тадемы преобладает женская тематика. Эти картины отличаются чувственностью и негой, дышат страстью. Многочисленные полотна изображают любовников, совратителей добродетели, соперниц. Эмоциональным фоном для них служат цветы, скульптуры, музыкальные инструменты.

 «Невольные соперницы»

1893

Женщины на балконе ждут одного и того же мужчину. Красные цветы усиливают напряжение, нарастающее между ними. Драматизм усиливают театральные маски, изображенные на рельефе. О коварстве и двуличии любовника двух красавиц, говорит скульптура шаловливого купидона, играющего с маской Пана. Женщины ждут наглеца с нетерпением.

 «Не спрашивай меня больше»

1906

«Прощальный поцелуй»

1882

Доверенная тайна

 Несмотря на огромную популярность, почти ни одна картина Альма-Тадемы не избежала критики. К примеру, консервативное викторианское искусство отрицало изображение обнаженного женского тела. Полотно «Скульптор и модель» вызвало ожесточенные споры и даже настоящий шок в благородном обществе.

 «Скульптор и модель»

1877

Обнаженная меланхоличная  женщина-модель откровенно написана в полный рост, спереди, совершенно открытая зрителю. Её фигура  занимает почти всё пространство картины. В глубине скульптор застыл, сраженный её земной красотой. Сюжет был навеян Альма-Тадеме одной античной скульптурой, но позировала ему жена Лаура. И ей и ему крепко досталось от критиков, без всякого стыда, в свой черёд, разбиравших достоинства и недостатки фигуры Лауры. В конце концов, художник решил отказаться от столь откровенной «обнаженки» и стал прикрывать наготу драпировками. 

 «В тепидариуме»

1881

Женщина возлежит на ложе в позе царицы Клеопатры, играя со змеёй. С ложа буквально «стекает» звериная шкура оранжевого оттенка, придавая обнаженному телу красавицы теплоту. В левой руке опахало из перьев, как маленькая ширма для глаз особенно строгих моралистов.

    Впоследствии критики обрушилась на историческое полотно «Розы Гелиогабала».

«Розы Гелиогабала».

1888

    В основе этой масштабной картины – исторический эпизод из времени правления юного развратника императора Гелиогабала, который прославился своими жестокими оргиями. Во время одного такого пира пьяные гости задохнулись под невероятным количеством розовых лепестков, низвергнутых на них подобно тропическому ливню. Версию Альма-Тадемы подвергли жестокой критике за то, что она скорее, напоминает апофеоз неги, чем убийство. Несчастные не задыхаются, а скорее купаются в цветах. Любопытный факт: художник писал картину зимой и, чтобы добиться эффекта свежести розовых лепестков,  еженедельно заказывал охапки роз.

    В 1882 году Альма-Тадема создал картину «Олеандр». Сюжет родился за год, когда старый олеандр, вывезенный художником из Брюсселя и ни разу не цветший, вдруг расцвел.

«Олеандр»

1882

  Картина несёт аллегорический смысл. Всем известно, что цветы олеандра не пахнут и считаются олицетворением безразличия. На картине в перистиле юная римлянка нюхает ветку олеандра. Возможно, барышне всё на свете безразлично, нет никакого дела до запаха, а мысли её с кем-то, кто далеко.

    Лоуренс Альма-Тадема приехал в Англию, когда ему было уже за тридцать и провёл здесь большую часть своей жизни. Англию он и считал второй родиной, получив английское гражданство в 1873 году. Любовь к второй родине способствовала тому, что художник стал частью британской культуры и членом Королевской Академии. В 1899 году за заслуги перед страной он был произведён в рыцари, и в 1905 году награждён Орденом чести.

    Альма-Тадема был доброжелательным, общительным, открытым для дружбы человеком. Он любил жену, детей и свой дом, похожий на римскую загородную виллу. Обожал путешествовать. Неиссякаемым источником вдохновения для него в течение всей жизни оставалась природа и тысячелетняя культура Италии.

    В 15 лет художник начал вести счет написанным им картинам и к концу жизни его каталог насчитывал 408 произведений. Художник помечал их римскими цифрами. Стало быть, итого значило CCCCVIII.

    Лоуренс Альма-Тадема скончался в Лондоне 25 июня 1912 года, пережив любимую жену на три года. Он погребён в соборе святого Павла. Увы, столь знаменитый при жизни, после смерти он был забыт. Однако, в последние десятилетия, интерес к его творчеству возродился.

    Произведения Альма-Тадемы хранятся в крупнейших художественных музеях Англии. Если вас очаровали его полотна о лучших днях человечества, и есть желание погрузиться в «золотой сон», не откладывайте и отправляйтесь в поездку. Посетите Лондон, Бирмингем, Глазго, Оксфорд, Брайтон, Бристоль. Не пожалеете, просто не сможете оторваться.

   

   

Российский Микеланджело. М.И. Козловский - основоположник русского классицизма

               Михаил Иванович Козловский – один из основоположников русского классицизма. 

Одаренный разнообразными талантами и бурным творческим темпераментом, он более известен как выдающийся скульптор. Вряд ли кто из его современников сумел с таким мастерством выразить эпоху великих войн и высокого подъёма русской общественной мысли. Его работы, будь они связаны с героикой античности, или славного прошлого России, воплощали идеи живой современности. Пользуясь языком аллегорий, скульптор неизменно выдвигает на первый план тему протеста, борьбы и страданий. По силе трагического звучания, творчество Козловского перекликается с поэзией Державина. Органическая близость связывает его скульптуру с работами античных мастеров. Мир идей и образов, мужественная пластика героев, созерцающих, страдающих, борющихся, сродни творениям великого Микеланджело. 

М.И. Козловский

    Как и большинство художников XVIII века, Козловский вышел из демократической среды. Он родился в Петербурге 26 октября 1753 года в семье военного трубача.  Отец служил в Балтийском галерном флоте, в унтер-офицерском чине. Семья жила на окраине столицы в Адмиралтейской галерной гавани. В 1764 году, по прошению отца, одиннадцатилетний Михаил, обученный русской грамоте и арифметике, был принят в число воспитанников Академии художеств. Через три года талантливый ученик был распределён в класс скульптуры к профессору Никола Жилле. Годы учебы Михаила Козловского совпали с периодом созревания классицизма в европейской живописи, скульптуре и архитектуре. Краеугольным камнем эстетики классицизма является идея подражания мастерам Древней Греции и Рима. Основные черты теории классицизма восходят к рационалистическим и метафизическим догмам европейской, преимущественно немецкой и французской философии Просвещения. С 1774 по 1779 годы Козловский провёл пенсионером Академии в Риме. В 1779 году он отправился в Марсель и оттуда в Париж. В феврале 1780 года Марсельская академия искусств удостоила его звания академика. Пенсионерские работы Козловского говорят о том, как внимательно он изучал античные памятники, глубоко проникая в сущность теории классицизма. Столь же внимательно он всматривался в произведения мастеров нового времени. Сохранился его восторженный отзыв о «Страшном суде» Микеланджело. Великий мастер эпохи Возрождения, к сожалению, недооценивался художниками 18 века, но Козловский видел в его «ужасном даровании и искусстве» родство со своим собственным творчеством и темпераментом.¹

   В Петербург Козловский вернулся в 1780 году, зрелым мастером и сразу занял заметное место в русской художественной среде. Он быстро вошёл в круг передовой дворянской интеллигенции. Его первые работы на родине  утверждали добродетели и бессмертную славу  великих людей, заслуживших благодарность отечества. Примеры гражданской доблести и любви к родине Козловский воплотил в исторических барельефах, графических композициях, скульптуре. Самые знаменитые работы Козловского – памятник А.В. Суворову на Марсовом поле в Санкт-Петербурге и занимающая центральное место в замысле ансамбля Большого каскада в Петергофе скульптурная группа «Самсон, разрывающий пасть льву».

   

   

    В Русском музее представлены классические статуи Михаила Козловского. Рассмотрим четыре из них - утонченные, острые, живые, цельные, логически ясные - образы античных героев.

1780-е г.г.

    Статуя «Бдение Александра Македонского выполнена Козловским во второй половине 1780-х годов. Вероятно, заказчиком был фаворит Екатерины II Потёмкин. Он пожелал изобразить будущего «царя четырёх сторон света», отдающего всё своё время учебе и даже жертвующего сном ради чтения, чтобы подать сей доблестный пример юношеству.  «Александр» должен был украсить собой празднество в Таврическом дворце, задуманное Потёмкиным для императрицы. Известно, как Екатерина, пестовала своих юных избранников, поставляемых ей с одобрения чрезвычайно занятого «старшего» фаворита, желая создать из них выдающихся государственных деятелей, но, увы, ни с одним успеха не имела.

    Статуя несёт аллегорический смысл, сюжет взят из трудов античного историка Квинта Курция. Цитирую его сказания: «Александр в юных ещё летах, при царствовании отца своего Филиппа, желая снискать великие познания в науках, старался воздерживать себя от сна и всегда засыпал, имея в руке медный шар, который при глубоком его сне, упадая в таз, разбужал его производимым стуком».

    Козловский изобразил Александра, сидящим на своём ложе в момент полного изнеможения, когда его, во время ночного занятия, сразила предательская усталость. Для решения своего замысла, скульптор избрал сложную позу, развернув фигуру юноши в глубину. Сильное тренированное тело склонилось, побеждённое богом сна, кудрявая отяжелевшая голова опирается на согнутую левую руку, одна нога закинута на другую. Пальцы правой руки едва удерживают медный шар над чашей. Ещё секунда, и они разожмутся – шар с громким стуком упадёт и разбудит царевича. Козловскому вполне удалось передать состояние задремавшего человека. Александр спит, пока не упадёт шар.

    Для того, чтобы насладиться красотой тела молодого атлета, надо обойти её кругом и повторить это снова. Вы будете очарованы не только главным героем, но и скульптурным натюрмортом, повествующим о его мире. Небольшое ложе покрыто тканью, спадающей волнистыми складками. Козловскому удалось передать в мраморе их изящные линии. Правая рука с шаром опирается на шлем, украшенный пышным султаном. Особенное внимание привлекает щит, прислоненный к ложу и украшенный барельефом на любимый сюжет Александра «Воспитание Ахиллеса кентавром».

Поликарт

1790

    Образ правителя Самоса Поликрата, богача и счастливца, предательски погубленного – один из самых трагических и в творчестве Козловского, и в русском искусстве второй половины 18 века. Скульптор выполнил статую в 1790 году. Сюжет почерпнут из древней истории – известный исторический факт. Древнегреческий тиран Самоса был жестоко обманут персидским сатрапом Оройтом, пригласившим его в 522 году до н.э. в город Магнезию для дележа сокровищ. Поликрат доверчиво прибыл, но коварный Оройт поступил с ним вероломно, велел схватить его и распять. Сюжет, взятый из античной истории, послужил скульптору ответить языком аллегории на события живой современности. Передовые люди 18 века видели в Поликрате символ изменчивости счастья. Тиран Поликрат был  богат и жаден к сокровищам, честолюбив, безжалостен к своим подданным, страшен для врагов, но и он не избежал предательства и погиб страшной смертью. В годы Французской революции этот образ приобрёл новую, ещё большую, актуальность. О Поликрате люди 18 века, привыкшие мыслить аллегориями, вспомнили потому, что видели вокруг много «поликратов» и «поликратиков» - обманутых жестокой судьбой бывших счастливцев. Статуя была создана в Париже, в бурные годы революции, где Козловский оказался вместе со своими учениками. Козловскому удалось воплотить в образе гибнущего человека пафос страдания и борьбы. Он знает, что обречен, но страстная жажда свободы выражена в напряженной, неравной борьбе со смертью, безмерном возбуждении. Тело Поликрата изгибается в нестерпимой муке, но каждый мускул напряжен, рука, сжатая в кулак, в отчаянии вскинута вверх, нога резко отведена в сторону. Вся фигура со вздутыми жилами, болезненно напряженными мышцами, охвачена стремительным порывом. Поликрат ищет опоры, надеясь обрести силу. Он жаждет разорвать путы, как раб Микеланджело, но силы покидают его, смерть надвигается. Поникшая голова, безжизненно свисающая рука, говорят о безнадёжности освободиться. Измученное лицо предсмертной искажено мукой. На стволе дерева, к которому прикован Поликрат, высечена древнегреческая надпись: «… никто не может считать себя счастливцем, пока он жив». 

Аякс защищает тело Патрокла

1796

    Те же черты выступают в маленькой мраморной группе «Аякс защищает тело Патрокла». Драматизм сцены построен на контрасте между мертвым телом Патрокла и полной энергии, напряженного волевого усилия, фигурой Аякса, спешащего вынести убитого с поля боя. Козловскому удалось воссоздать облик мертвеца с безвольно повисшей головой и вытянутым, ставшим тяжелей, чем при жизни, телом. Рядом с убитым, живой воин, представленный в энергичном повороте, впечатляет мощью и целеустремлённостью.

Геркулес на коне

1799

    Энергичный герой-победитель. Олицетворение отваги, гимн мужеству, призыв к борьбе. Геркулес одним скачком преодолевает препятствие, возникшее на пути – скалу со свернувшейся на ней змеёй – символом противоборствующей силы. Удачно показано победное движение всадника и коня. Статую заказал Козловскому поэт Н.И. Ахвердов. Восхищенный образом скачущего героя, он написал стихи:

Летит! – летит герой избавить мир от бед!

Блистая мужеством, небесной красотою!

    М.И. Козловский был последним великим художником из плеяды мастеров 18 века. Он умер внезапно 18 сентября 1802 года в расцвете  сил и таланта.

1 Мастера искусства об искусстве. Изд. второе. Т. 6. Москва, «Искусство», 1963, с. 95

Для более глубокого знакомства с творчеством М.И. Козловского можно прочесть книги:

А.Г. Ромм. М.И. Козловский. М-Л, "Искусство", 1945

Н. Коваленская Русский классицизм. М. "Искусство", 1964

В.Н. Петров. Михаил Иванович Козловский. Любое издание

фото взято из интернета

Луи Токке в России

           

Ж.Б. Натье
Портрет Луи Токке (1739)
(1696-1772)

              Большой парадный портрет императрицы Елизаветы Петровны, принадлежащий кисти Луи Токке, одного из выдающихся французских живописцев, работавшего при русском дворе уже на закате дней Петровой дщери, представлен в Романовской галерее Эрмитажа и в Большом Царскосельском дворце. Портрет завораживает богатым, но сдержанным и приятным колоритом, несмотря на обилие золота по царственно-багряному атласу и штофу. Изящный стиль рококо, любимый русской императрицей, Токке умело сочетает с характеристикой модели. Перед ним стояла задача показать величие императрицы и могущество её державы. 

Портрет императрицы
Елизаветы Петровны

    Величавая, добродетельная, мать отечества, наследница Героя. Всю жизнь Елизавета подчеркивала эту преемственность подвигов отцовых. Естественно, что, зная биографию Елизаветы в источниках, исторических трудах и романах, но относясь критически к работам отдельных мемуаристов, историков и особенно, исторических романистов, делаешь вывод, что именно работа Токке гораздо более других соответствует оригиналу. Известно, что императрица сама позировала художнику, но, поскольку портрет создавался в 1758 году, когда она много болела, упорно, не желая мириться с надвигающейся старостью, Токке, словно сквозь магическое стекло, узрел прелесть самой красивой дамы Европы. Нежное лицо. Сливочная кожа с лёгким румянцем, голубые глаза с поволокой, приятная улыбка – неизменный типаж рококо. 

    Великая модница одета по последней моде. Императорские регалии покоятся на бархатной подушке. Красивая маленькая рука держит скипетр. Грудь украшает голубая лента и знак ордена Андрея Первозванного. Горностаевая мантия, расшитая двуглавыми орлами, ложится жёсткими складками. Художнику особенно удалась игра света на богатом шитье золотом и серебром по тёмному рыже-коричневому атласу. Фон в целом показан сдержанно, но величественная колоннада на заднем плане довершает образ величественной державы, которую создала дщерь Петрова.

    Приглашение Луи Токке, блестящего портретиста, в Россию состоялось благодаря вице-канцлеру графу М.И. Воронцову при посредстве самого короля Людовика XV. Король, узнав о нужде «своей сестры» Елизаветы в искусном портретисте, поскольку корифей русского рококо Каравакк в 1754 году умер, уступил ей своего блистательного Токке. Поводом к этому также послужило желание короля скрепить франко-русский договор против Фридриха II. Живописцу пожаловали 4000 рублей на дорожные расходы, положили 1000 рублей ежемесячного жалования. В Петербурге, куда он приехал в 1756 году, ему предоставили дом и экипаж. И удостоили наивысочайшей чести участвовать в придворных застольях. Елизавета, обычно нетерпеливая и даже в церкви никогда не стоящая на одном месте, часами позировала мастеру и была неизменно с ним ласкова и улыбчива. Недаром Токке так удались взгляд и улыбка императрицы.

    В итоге, Елизавета осталась недовольна! История гласит: на всём продолжении своего царствования первая красавица придиралась к собственным портретам. Везде казалась себе непохожей. В канцелярию от строений давались указания, как писать овал лица, или нос государыни. Вот и к Токке она отнеслась с придирками: нос ассиметричен, а профиль надо сделать орлиным. Но простим царственную капризницу капризницу. Ведь именно благодаря Елизавете Петровне, с подачи её просвещенного фаворита Ивана Шувалова, за год до написания шедевра Луи Токке, в 1757 году в Москве была создана императорская Академия живописи, скульптуры и архитектуры.

    Согласно условиям контракта, Токке мог работать по частным заказам, которые ему, как портретисту двора Людовика XV и члену Парижской Академии, сыпались, как из рога изобилия. Он написал множество портретов представителей русской знати. Для каждого портретируемого метр умело подбирал обстановку, или костюм.

Портрет канцлера А.П. Бестужева

Канцлера Алексея Петровича Бестужева
Токке изобразил у стола с документами

 

Портрет И.И. Шувалова

Елизаветинского просвещенного вельможу и фаворита
Ивана Ивановича Шувалова
художник представил приятным собеседником,
с открытым взглядом. 

 

Портрет гетмана К.Г. Разумовского

Величественный портрет гетмана
Кирилла Григорьевича Разумовского,
брата морганатического супруга Елизаветы,
указывает на его положение и власть.

Портрет Никиты Демидова

Заводчик и богатейший вельможа 

Никита Демидов представлен в роскошном кафтане

Портрет А.К. Воронцовой

Двоюродная сестра и доверенная подруга
императрицы, графиня Анна Карловна Воронцова, урождённая Скавронская,
стояла во главе женской группировки, состоящей из родни Екатерины I.
Ей угождали не только представители знати, но и французские дипломаты.

Портрет А.М. Воронцовой

Дочь вице-канцлера графа М.И. Воронцова
и А.К. Воронцовой представлена в образе
древнеримской богини Дианы -
прекрасный образец жанра мифологического портрета

    Жаль, что при русском дворе Луи Токке проработал всего 18 месяцев и уже в 1760 году, останавливаясь на пути в Копенгагене, чтобы написать портреты датского короля, королевы и принцев, вернулся в Париж.

Кавалерственные дамы Алексея Антропова

А. Антропов
Автопортрет

            Антропову выпало работать в особенный век, когда новизна входила в русское искусство семимильными шагами и, в то же время, новое приспосабливалось к старине. В первой половине XVIII столетия рождалась русская портретная школа, сохраняя лучшие свои особенности в сплаве с модным стилем рококо. Поскольку мастера не желали порывать с парсунным письмом, это придавало портретам некоторую наивность и скованность. Антропов, ученик Матвеева и Вишнякова, до конца оставался представителем национальной школы. В то же время, его привлекало мастерство французских и итальянских художников. Он учился у Луи Каравакка и Пьетро Ротари, постепенно овладевая искусством оживить модель. Не стремясь к разнообразию композиции, Антропов вполне лаконичен. Он пишет погрудные портреты на нейтральном фоне. Модели малоподвижны, трактовка образов кажется грубоватой, без аристократической утонченности и психологизма парадных портретов, но цветовая гамма отличается декоративностью. Все, даже самые мельчайшие делали, старательно выписаны. Антропов смело сопоставляет цвета, создавая насыщенные контрасты. Декоративность идёт от парсун XVII века, тонкая наблюдательность и правдивая передача характеров – шаг вперёд. В обязанности главного живописца Святейшего Синода, коим являлся Антропов с 1761 года, входило написание портретов представителей русского духовенства. Мастер усердно прилагает к этому руку, пишет официальные портреты и камерные изображения. Работает много, однако из массы портретов особенно выделяются два женских, на которых представлены знатные матроны. Обе далеко не молоды и много пережили и повидали на своём веку, начав придворную карьеру ещё при Петре  Великом и закончив её при Елизавете Петровне и Екатерине II. Итак, представьте, как одна за другой, перед художником позируют две кавалерственные дамы, когда-то замечательные красавицы, а ныне - влиятельные персоны, наперсницы и советчицы императриц. Безусловно, проникнутый почтением, Антропов честно следует натуре, и под его кистью на полотне оживают непростые характеры его моделей.

Портрет статс-дамы Анастасии Михайловны Измайловой,

урожденной Нарышкиной.

1759 г. ГТГ

   

    В 1758 году Антропов пишет портрет статс-дамы Анастасии Михайловны Измайловой, урожденной Нарышкиной. Троюродная сестра и близкая подруга императрицы Елизаветы Петровны предстаёт уже пожилой, умудренной годами женщиной. Ей 56 лет. Она шестью годами старше Елизаветы и с юных лет обеих связывает доверительная дружба. Анастасия Михайловна родилась в 1703 году в семье Михайлы Нарышкина и всю жизнь провела при дворе. Во времена Петра I его племянницы считались почти принцессами крови, и государь имел на них матримониальные виды. Вероятно, по сей причине его двоюродные сестры, дочери  дядюшки Льва Кирилловича и племянницы, засиживались в девицах. Настя Нарышкина в молодости слыла красавицей. Весёлая, бойкая, своенравная, умная, славящаяся остым языком, она, как магнитом, притягивала к себе маленькую Елизавету Петровну. Во времена Анны Иоанновны Нарышкина поддерживала опальную цесаревну. Если довериться сплетнику маркизу де Шетарди, именно ей Елизавета обязана знакомством с Алексеем Разумовским, который затем становится самой большой любовью цесаревны и позже морганатическим супругом императрицы. Шетарди в 1742 году доносит в Версаль: «Некая Нарышкина, вышедшая с тех пор замуж, женщина, обладающая большими аппетитами и приятельница цесаревны Елизаветы, была поражена лицом Разумовского, случайно попавшегося ей на глаза. Нарышкина так искусно повела дело, что Разумовский от неё не ускользнул». Случайно встретив подругу, Елизавета выведала её тайну и тотчас приняла решение «привязать к себе этого жестокосердного человека, недоступного чувству сострадания».

    Впоследствии Анастасия Михайловна вышла замуж за генерала Василия Васильевича Измайлова, способствовала восшествию на престол Елизаветы и заняла при ней прочное место. Во дворцах государыни у неё были собственные апартаменты. Ко времени создания Алексеем Антроповым её портрета, статс-дама уже основательно постарела, но по-прежнему пользовалась влиянием при дворе. Красавица погрузнела и во всех её движениях появилась вальяжность, чопорность, строгость, что, в целом, не мешало ей по-свойски обращаться с супругом Елизаветы. Во время карточной игры, когда граф Разумовский приказывал ставить перед каждым игроком червонцы столбиками, - это чтобы никто не стеснялся принимать участие в игре, его старая приятельница взмахом руки сгребала золото себе в ридикюль, конечно, зная благодушный характер фаворита.

    Антропов без прикрас передал и грузную фигуру, и расплывшееся лицо Измайловой. По моде статс-дама набелена, щеки густо нарумянены, широкие брови насурмлены. Лицо и глаза – зеркало души. Антропов проницателен, и живописует острый, насмешливый ум и властный характер своей модели. Взгляд карих глаз очень живой, тонкие губы язвительно поджаты. Измайлова, какой была в молодости, такой и осталась.

    Образ пожилой дамы, созданный Антроповым, можно считать примером перехода от парадного к камерному портрету. Фигура по пояс написана на тёмном нейтральном фоне. Измайлова гладко причесана и одета в синее закрытое платье с бледной розой на широкой груди. Грудь дамы скрыта под белой кофтой, с воротом, завязанным под шеей красной лентой. Самая выдающаяся деталь её костюма – это портрет  императрицы Елизаветы Петровны в бриллиантовой оправе на синем орденском банте, пожалованный любимице в награду за годы преданного служения. Художник виртуозно пишет холодный блеск бриллиантов, предмет гордости Измайловой, которая гордится своим родством с российской императрицей, всегдашней милостью к ней монархини и, конечно же, тем, что и сама во всём под стать государыне Елизавете.

    Портрет А.М. Измайловой хранится в Государственной Третьяковской галерее.

Портрет статс-дамы Марии Андреевны Румянцевой,

урожденной графини Матвеевой

1764 г. ГРМ

    Портрет графини Марии Матвеевны Румянцевой был принесён в дар Русскому музею В.И. Толстым в 1902 году. Ещё одна неординарная женщина «безумного и мудрого столетия». Антропов вдохновенно передаёт открытое лицо, твёрдый ясный взгляд карих глаз властной и умной статс-дамы. Во всём облике видна порода и, вместе с тем, русская простота, доброжелательность и общительность. Какая необыкновенно русская женщина перед нами, дорогой зритель! Впечатляет, в первую очередь то, что она, явившись на свет в канун нового века, при Петре I, прожила почти до конца царствования Екатерины II. Была отмечена всеми высочайшими почестями и при этом никогда не позволяла себе кичиться высоким положением, заслугами предков и собственной близостью к императору Петру Алексеевичу, отличавшему её особо. Такой изображает её Антропов. Если бы не бриллиантовый орден с портретом императрицы Елизаветы Петровны на груди Румянцевой, её можно бы принять за добрую русскую барыню.

    Мария Румянцева, (1699 – 1788) была внучкой Артамона Сергеевича Матвеева, опекуна царицы Натальи Кирилловны, убитого во время стрелецкого бунта 1682 года. Отец, граф Андрей Артамонович – один из лучших дипломатов Петра I, человек передовых взглядов.  Мария получила европейское образование за границей, когда жила с отцом в Лондоне и Париже. Красивая, живая, острая на язык, боярышня, вернувшись на родину, пленила царя Петра. Будучи уже женатым на Екатерине, Пётр часто не мог устоять против прелестей её фрейлин. Марии пришлось принять его ухаживания, хотя она впоследствии признавалась, что не искала любви царя. Не раз грозный Пётр заставал шалунью в компании какого-нибудь красавца, и однажды решил выдать замуж, дабы супруг держал её в ежовых рукавицах. В женихи красавице он выбрал своего любимого денщика Александра Ивановича Румянцева.  За невестой дал богатое приданое. Жених получил чин бригадира. Однако супруги редко бывали вместе.  Румянцев постоянно находился в далёких краях по заданию государя. Александр Иванович не сыскал в истории такую славу, как А.Д. Меншиков, зато был вернейшим из самых верных птенцов гнезда Петрова. Царь мог всецело доверять ему, и знал, что Румянцев пойдёт за него в огонь и в воду. Самое трудное и отнюдь, не славное поручение Александру Ивановичу пришлось выполнить совместно с Петром Андреевичем Толстым. Угрозами и посулами, они выманили и привезли из-за границы царевича Алексея Петровича.

    Царь продолжал любить и замужнюю Марию Румянцеву. Чувство сохранялось до конца жизни царя, и даже Екатерина испытывала к Марии ревность. В 1724 году Александр Румянцев был послан в Константинополь, и оттуда - в Персию. В январе 1725 года умер царь Пётр, а вскоре Мария Андреевна выехала навстречу мужу. Она была беременна и родила сына в молдавском селе Строенцы. Мальчика назвали Петром. Императрица Екатерина I милостиво крестила ребёнка. Этот чудесный младенец, впоследствии фельдмаршал Румянцев-Задунайский, при Екатерине II станет соперничать славой и талантами с самим Суворовым.

    При Анне Иоанновне генерал-аншеф Александр Румянцев ненадолго попал в опалу. Особую же благосклонность к семье Румянцевых проявляла Елизавета Петровна. В 1744 году она возвела Александра Ивановича в графское достоинство. Марию Андреевну пожаловала в статс-дамы и проучила ей заведование двором невесты наследника – юной Цербстской принцессы Софии-Фредерики. Мария Андреевна так усердно выполняла обязанности, что при дворе принцессы её боялись как чумы, том числе и сама Екатерина. Строгая, но любившая поговорить, графиня охотно докладывала Елизавете обо всех промашках наследника и его невесты. Несмотря на это императрица Екатерина II оказала графине Румянцевой особое благоволение, сделав её гофмейстериной. После Кючук-Кайнарджийского мира, героем которого был сын Марии Андреевны, Пётр Александрович, получивший титул Задунайского, алмазами украшенные фельдмаршальский жезл, шпагу, лавровый венок, масличную ветвь и бриллиантовые знаки ордена св. Андрея Первозванного, а также в честь его была выбита медаль с его изображением, ей пожаловали орден св. Екатерины. Мария Андреевна почти на сорок лет пережила мужа (1749) и сама скончалась в глубокой старости 4 мая 1788 года.

     Итак, европейски образованная, в душе графиня Мария Андреевна Румянцева оставалась простой русской барыней, интересовавшейся домашним хозяйством, любившей посудачить и посплетничать. В глубокой старости она с удовольствие пересказывала интимные подробности грехов собственной юности. Французский посланник граф Сегюр находил её беседу «пленительной и поучительной, как хорошо написанную историю». Гаврила Романович Державин откликнулся на её смерть одой:

… Она блистала

Умом, породой, красотой,

И в старости любовь снискала

У всех любезною душой;

    Графиня Мария Андреевна Румянцева служила восьмерым монархам. Её портреты писали иноземные художники, бывшие в особой чести у Екатерины II, но лучший её портрет, безусловно, принадлежит кисти Алексея Антропова, сумевшего создать убедительный образ умной и властной, образованной и мягкой нравом талантливой женщины – представительницы блестящего века.